NEWS – Bourges 2017 – Call for work / Appel à l’oeuvre

Von: EM via cec conference
Datum: Tue, 25 Apr 2017
Betreff: [cec-c] Bourges 2017 – Call for work / Appel à l’oeuvre


Call for work
Fourth call for work for composers and multimedia artists

One of the most profound mysteries of this world is its creation, its birth, its life… As Anaxagoras said, „Nothing of the things that exist ever dies; rather each thing, as it is separated from another, takes on a different shape.“ Thus the composer creates a new universe of sounds, forms, harmonies from what he knows, what he has learned…As part of the Art & Science Days, Musinfo proposes to composers and artists from around the world to participate in a call for a sound or multimedia work.

As part of the Art & Science Days, Musinfo proposes to composers and artists from around the world to participate in a call for a sound or multimedia work.

We dedicate this 2017 edition of the call for works to sound and visual / scientific and imaginary creation.

Theme: Creation

The subject of this call is the relationship between science and arts in general and the link between creation and sound in particular. The works must either take their inspiration from scientific knowledge, or apply this knowledge in their compositional process.


Two categories of works will be accepted:
1) sound works – stereo or multitrack
2) multimedia works – audiovisual

Diffusion of the works:

A „concert selection“ will be presented on June 4th during the multimedia concert and an „installations selection“ will be presented during listening sessions in a sound installation called Magic Boxes, all during the Art & Science Days 2017 in Bourges (June 19-23).

Participation requirements :

• This project is open to any composer, performer and sound artist.
• Any work that does not deal with the theme will not be selected.
• The duration of the work must be between 3 and 5 minutes maximum.
• The work must be free of any rights of reproduction and distribution under the obvious subject to copyright.
• The sound work (non compressed aiff format) in stereo or 5.1 multitrack format (with its stereo version), or the multimedia work (5.1 audio with stereo version; mov or avi format) should be sent via this specific form:
• The work will be kept in the Sound Archives of Musinfo.
Participation in this project is approval of these terms and conditions.


• Deadline for sending the work is May 21th, 2017 at midnight

contact :

BERLIN – TOMORROW: Kiezsalon opening with Stella Chiweshe & Greg Fox / Wednesday, 26. April 2017

Von: Digital in Berlin | News
Datum: Tue, 25 Apr 2017
Betreff: TOMORROW: Kiezsalon opening with Stella Chiweshe & Greg Fox / Wednesday, 26. April 2017

Just a little reminder! We warmly invite you to our Kiezsalon opening tomorrow with Stella Chiweshe from Zimbabwe, the woman now known by her people as „Grandmother of Traditional Music“ and Greg Fox, the extraordinary drummer from the New York metal band Liturgy (+ ZS, Ben Frost, Colin Stetson etc.).

Wednesday : 26.04. | First Kiezsalon 2017
Stella Chiweshe (Zimbabwe) LIVE | Piranha Records
Greg Fox (USA) LIVE | Rvng Intl.
Davide Luciani (IT/Berlin) DJ

Read and listen:

Our salon wines for the evening:
Lust & Leben Cuvée + Blaufränkisch Heideboden by Weingut Paul Achs
Neuland Grüner Veltliner by Weingut Herbert Zillinger

Musikbrauerei Prenzlauer Berg | Greifswalder Straße 23a in 10407 Berlin
Doors 20:00 | Shows 21:00

There is limited capacity to the salon and tickets are only available at the door. We look forward to welcoming you back again for tasteful and intimate salon evenings.

Kind regards,
Your Digital in Berlin Team

Digital in Berlin

Langhansstraße 127 | 13086 Berlin/Germany | +49 (0) 151 56 00 00 56 |

* The Kiezsalon is funded by Musicboard Berlin and presented by taz. die tageszeitung, Exberliner & Musikbrauerei.

NEWS – Call for Artistic Residencies

Von: Yannick Hofmann
Datum: Tue, 25 Apr 2017
Betreff: Call for Artistic Residencies

Im Rahmen des EU-Projekts VERTIGO werden 45 künstlerische Residencies über
einen Zeitraum von 3 Jahren organisiert und ausgeschrieben. Als
assoziierter Projektpartner wird auch das ZKM | Karlsruhe Artist
Residencies ermöglichen.
Künstlerinnen und Künstler können sich bis zum 22. Mai 2017 über folgenden
Link bewerben:

NEWS – Summer residency for „Electronic Music Artists“

Von: Kevin Austin via cec conference
Datum: Mon, 24 Apr 2017
Betreff: [cec-c] Summer residency for „Electronic Music Artists“

European University Cyprus Residency for electronic music artists to spend one month in Nicosia, Cyprus

The European University Cyprus, as part of the “Interfaces” project, is announcing a call for applications for 12 residencies for electronic music artists. The residencies will take place in July of 2017, 2018, and 2019.

NEWS – Call for submissions – „Organised Sound“ Issue 23-3

Von: Martin Supper
Datum: Mon, 24 Apr 2017
Betreff: Call for submissions – „Organised Sound“ Issue 23-3

Organised Sound: An International Journal of Music and Technology

Call for submissions

Volume 23, Number 3

Issue thematic title – Sound and Kinetics: performance, artistic aims and techniques in electroacoustic music and sound art

Date of publication: December 2018

Submission deadline: 15 January 2018

Issue co-ordinators: Jøran Rudi ( with Neal Spowage (

Technology- and sound-based music reaches well beyond the concert hall, and experimental music often blends with visual arts and other disciplines into various genres of sound art. This continuing re-conception of music brings other relationships than the use of, for example, intervals, rhythms and those within sound itself into the artistic discourse, and contributes to the development of critical perspectives. With new technology, immediacy, agency, object design and wider corporeal physical presence cross paths with the fixed medium, live and site-specific worlds. And the use of live physical interfaces instigate and enhance creative processes.

The use of physical objects in combination with electronic means springs from a mixed genealogy of musical automatons, algorithmic composition, acoustics and kinetics, to name a few in addition to the more conventional electroacoustic music. The introduction of noise, mechanical sound and electronic manipulation of recorded material are obvious predecessors to the new, kinetic art, and the use of sounding physical objects has correlated the electroacoustic musical paradigm with the visual arts.

Current developments in kinetic sound art frequently exploit the possibilities for precision and comprehensive control made possible by affordable computers and a steadily growing array of sensors and small DIY electronics. Transactions of some kind are taking place between humans and objects, instruments or interfaces, and this empowers new generations of composers and artists in their rehumanisation efforts of technology-based expressions. New media and symbolic relationships that transgress the boundaries of conventional electroacoustics are activated, and include the materiality and physical presence in the resulting works.


* How does the genre of kinetic sound art connect to conventional musical activity?
* The roles of physical objects in relation to sonic expression.
* Composition and performance with objects
* Physical aspects of the agency of sound.
* Does kinetic sound art influence and expand our musical perception?
* Does kinetic sound art change our listening, and does it bring in a radical perspective?
* Is it possible to extract a new type of essence from key works of this trend?
* Composition strategies in flux – and are they changing with technology?
* Which historical narratives might be interesting in describing the development of kinetic sound art?
* Learning from the history of physicality in experimental sonic works
* Arenas and venues – are there particular links to the broader artistic awareness?
* Audiences and viewers

As always, submissions related to the theme are encouraged; however, those that fall outside the scope of this theme are also welcome.



Notes for Contributors and further details can be obtained from the inside back cover of published issues of Organised Sound or at the following url: (and download the pdf)

Properly formatted email submissions and general queries should be sent to:, not to the guest editors.

Hard copy of articles and images and other material (e.g., sound and audio-visual files, etc. – normally max. 15′ sound files or 8′ movie files), both only when requested, should be submitted to:

Prof. Leigh Landy
Organised Sound
Clephan Building
De Montfort University
Leicester LE1 9BH, UK.

Accepted articles will be published online via FirstView after copy editing prior to the paper version of the journal’s publication.

Editor: Leigh Landy
Associate Editors: Ross Kirk and Richard OrtonÝ
Regional Editors: Ricardo Dal Farra, Jøran Rudi, Margaret Schedel, Barry Truax, Ian Whalley, David Worrall, Lonce Wyse
International Editorial Board: Marc Battier, Manuella Blackburn, Joel Chadabe, Alessandro Cipriani, Simon Emmerson, Kenneth Fields, Rajmil Fischman, Eduardo Miranda, Rosemary Mountain, Tony Myatt, Garth Paine, Jean-Claude Risset, Mary Simoni, Martin Supper, Daniel Teruggi

NEWS – Release pyo 0.8.6 (Python dsp library)

Von: Olivier Bélanger via cec conference
Datum: Fri, 21 Apr 2017
Betreff: [cec-c] Release pyo 0.8.6 (Python dsp library)

[English version follows]

Bonjour à tous,

La version 0.8.6 de pyo est maintenant disponible en téléchargement :


La documentation:

Sources and suivi des bugs:

Bugs corrigés:

– Correction de l’objet TableRead qui continuait à jouer lorsque la vitesse est
négative et le mode loop à off.

– Correction de l’objet CallAfter (segfault) lorsque détruit à l’intérieur de
son propre appel de fonction.

– Correction d’un segfault lorsque l’objet graphique ControlSlider est mis à
jour depuis le thread audio.

– Mise à jour de liblo (de 0.26 à 0.28) sous Windows. Correction d’un bug où
les ports réseau n’étaient pas proprement fermés après utilisation.

– Correction d’un segfault à la destruction de l’objet Resample.

– Correction de certains liens dynamiques dans les librairies à la création
des installeurs sous MacOS.

– Correction des flux audio „time“ des objets TableRec, TrigTableRec et Looper.


– Ajout d’un attribut „speed“ à l’objet Seq. Cela permet des modifications
temporelles continues.

– Ajout d’une méthode „setRandomType(dist, x)“ à l’objet SfMarkerShuffler.

– Ajout d’un item „Copy“ dans le menu des fenêtres ouvertes via les méthodes
PyoObject.ctrl() et DataTable.graph().


Hello all,

pyo 0.8.6 is now available to download on pyo’s web site :


pyo’s documentation:

Latest sources and bug tracker:

Bug Fixes:

– Fixed TableRead which continues to play when freq is negative and loop is off.

– Fixed CallAfter segfault when deleted inside its own callback.

– Fixed segfault when updating ControlSlider value from the audio thread.

– Updated liblo from 0.26 to 0.28 on Windows. This fixes a bug with socket
not properly closed.

– Fixed segfault in Resample_dealloc function.

– Fixed libraries dynamic links in MacOS installer scripts.

– Fixed TableRec, TrigTableRec and Looper time stream not started on play.


– Added „speed“ argument to Seq object. Useful to create continuous time
deceleration or acceleration.

– Added setRandomType(dist, x) method to SfMarkerShuffler object.

– Added a „Copy“ menu item in PyoObject.ctrl() and DataTable.graph() windows.


BASEL, ZÜRICH, HAMBURG – „Captcha Songbook“, Sound-Performances für Stimme, Elektronik und Choreografie

Von: Leo Hofmann
Datum: Sat, 22 Apr 2017
Betreff: BASEL, ZÜRICH, HAMBURG – „Captcha Songbook“, Sound-Performances für Stimme, Elektronik und Choreografie

Leo Hofmann

Sound-Performances für Stimme, Elektronik und Choreografie

Basel 26. April, 20 Uhr | Gare du Nord
Zürich 27. April, 21 Uhr | Musikklub Mehrspur
Hamburg 3. Juni, 20 Uhr | FAKTOR / blurred edges

Vielleicht lanciert im Jahre 2022 ein taiwanesischer Konzern einen Musik-Service, der für jeden Moment die richtige Musik komponiert: Situativ, individuell und in Echtzeit. Vielleicht überwinden Menschen aber auch weiterhin ihr Lampenfieber, um auf der Bühne Musik zu machen. Wie entscheidet sich die Menschheit zwischen totaler Kopfhörer-Stimulation und lebendiger Musizier-Tradition?
Der Composer-Performer Leo Hofmann unternimmt bereits 2017 den Versuch, dirigieren, programmieren, musizieren und tanzen miteinander zu versöhnen. Ein Musiktheaterprogramm mit elektronischen Instrumenten, gestischen Sensoren, mobilen Lautsprechern und zwei Performenden, die vielleicht doch nur vollautomatisierte Souffleure sind…

Leo Hofmann (Konzept, Komposition, Performance)
Filomena Krause (Performance)
Benjamin van Bebber (Outside-Eye)
Andi Otto (Klangregie)

NEWS – MuSA2017 Karlsruhe. Second Call for Papers.

Von: John Dack
Datum: Fri, 21 Apr 2017
Betreff: Re: MuSA2017 Karlsruhe. Second Call for Papers.

Eighth International Conference on

Music /Sonic Art: Practices and Theories

MuSA 2017 – Karlsruhe (IMWI)

6 July – 9 July, 2017

Hochschule für Musik, Karlsruhe –

Institut für Musikwissenschaft und Musikinformatik (IMWI)

Am Schloss Gottesaue 7, 76131 Karlsruhe


We are pleased to announce the Eighth International Conference on Music and Sonic Art: Practices and Theories (MuSA 2017), an interdisciplinary event to be held in Karlsruhe, Germany at the Institut für Musikwissenschaft und Musikinformatik (IMWI) ( MuSA 2017 is jointly organized by IMWI and Middlesex University, London.

The conference website is:

Conference dates: July 6 – 9, 2017.

Deadline for abstract submission: April 28, 2017.

Keynote presentation: Marcelo Wanderley (McGill University, Canada)

The principal aim of MuSA 2017 is to advance interdisciplinary investigations in – as well as between – Music and Sonic Art. Proposals for sessions and individual papers for the Eighth International Conference on Music and Sonic Art: Practices and Theories are invited from academics, independent researchers, practitioners and post-graduate students. Presentation formats include academic research papers (20 minutes + 10 minutes for discussion); reports on practice-based/artistic research or educational programmes (20 minutes + 10 minutes for discussion); and workshops, panel sessions, lecture-demonstrations (30 minutes + 15 minutes for discussion). The Conference committee encourages presentations in which practice forms an integral part of the research. All proposals will be double-blind peer-reviewed. The Conference language will be English. Previous themes and topics can be seen at:;;;;


The theme of MuSA 2017 is Sounds without Borders. Amidst recent political events around the world that threaten to build walls among nations, disconnect communities, block the free movement of peoples across cultures, musical practices display a stark contrast to such divisive attempts in defying and travelling freely across many different kinds of – literal and metaphorical –‘borders’. MuSA2017 will explore the nature, conditions, and consequences of the capacity of musical practices to cross these ‘borders’. We, therefore, invite submissions on the following, and other related topics:

· Music and politics across borders

· Migration of musical styles across borders

· Fluidity of musical experiences

· Dynamics of musical identities

· Dissolution of formal boundaries in the creation of music and sound art

· Multimodal perception of music and sound crossing over sensory boundaries

· Crossing the borders of performance styles

· Crossing disciplinary boundaries in musical research

· Crossing artistic boundaries in musical and sound art practices

· Crossing the theory-practice divide

· Bridging scholarly-disciplinary and artistic discourses

· Travelling across ‘reason’ and ‘emotion’

Other topics that are in line with the Conference’s broad aim of promoting interdisciplinary research within and across Music and Sonic Art will also be considered.

MuSA 2017 will continue to include the popular, one-day event devoted to ‘Re-thinking the Musical Instrument’, focusing in particular on the role of literal and metaphorical borders in the origination, making and playing of musical instruments.

Some of the topics that will be explored during this one-day event include:

· The acoustical, musical, cultural, symbolic, and ritualistic qualities of musical instruments and the relationships between these (theoretically) distinct kinds of qualities;

· The discourses that exist in relation to musical instruments in different genres, styles and traditions;

· The gestural affordances and ergonomic principles of musical instruments and the musical meanings that emerge as a result of these affordances and principles;

· Performers, improvisers and their instruments: phenomenologies of music making in the context of particular kinds of musical instruments;

· Composer and instruments: the material, acoustical and expressive qualities of instruments and their relationship to musical languages composers create;

· Relationships between creativity in performance, nature of musical interpretation and musical instruments;

· The role of the musical instrument in the creation of musical identities;

We invite proposals on any research area related to the nature and use of western acoustical instruments, traditional ethnic instruments and digital/virtual instruments.


Please submit an abstract of approximately 250-300 words as an e-mail attachment to

Please specify whether you wish your abstract to be considered for the one-day ‘Re-thinking the musical instrument’ event.

As contributions will be ‘blind’ peer-reviewed, please do not include information that might facilitate identification from the abstract. In addition, please include separately the name(s) of the author(s), institutional affiliation (if any) and short biography (approximately 100 words). Deadline for the receipt of abstracts is Friday, 28 April 2017. Notification of acceptance will be sent by 12 May 2016.


The Conference fees are: €120 for delegates (day rate: €40), €100 for presenters (day rate: €35), and €60 for students and others who qualify for concessions (day rate: €20).

If additional information is required please do not hesitate to contact Prof. Dr. Mine Doğantan-Dack or any member of the Conference Committee:

Prof. Dr. Mine Doğantan-Dack ­­–

Prof. Dr. Thomas A. Troge (IMWI, Karlsruhe) –

Prof. Dr. Denis Lorrain (IMWI, Karlsruhe) –

Vis. Prof. Dr. Marlon Schumacher (IMWI, Karlsruhe) –

Prof. Dr. Paulo Ferreira-Lopes (Universita Cattolica Porto/HfM-Karlsruhe) –

Prof. Miroslav Spasov (Keele University, UK) –

Dr. John Dack (Middlesex University, UK) –

Adrian Palka (Coventry University, UK) –

Timothy P. Schmele (IMWI, Karlsruhe) –

Administrative support: Gundi Rössler (IMWI, Karlsruhe) –


Dr John Dack – Senior Lecturer (Music and Technology)
PhD, MA, MMus, MSc, PGDipMIT, BA (Hons)
The Grove Building, room 226
Middlesex University
The Burroughs
London NW4 4BT

NEWS – [REMINDER] JTTP 2017 – Jeu de Temps / Times Play | 1 MAY

Von: CEC jef chippewa
Datum: Thu, 20 Apr 2017
Betreff: [cec-c] [REMINDER] JTTP 2017 – Jeu de Temps / Times Play | 1 MAY

For Immediate Release / Pour diffusion immédiate

JTTP 2017 — Jeu de temps / Times Play
Communauté électroacoustique canadienne (CEC) Canadian Electroacoustic Community
Deadline / Date limite : 1 May 2017

[E] Call for New Works from Young and / or Emerging Sound Artists / Composers
JTTP is an annual project aimed at promoting and celebrating new electroacoustic works from young and/or emerging sound artists / composers from (or living in) Canada. More information on how to submit your work and eligibility is found at the following web address. Please forward the info to your friends, colleagues and students!

As of the 2010 edition, multichannel submissions and videomusic works may be submitted to JTTP.

[F] Appel d’¦uvres aux compositeurs(trices) et artistes sonores, jeunes ou émergents
JTTP met en valeur des nouvelles ¦uvres électroacoustiques produites par des compositeurs(trices) et artistes sonores, jeunes ou émergents, du ou vivant au Canada. Pour plus d’informations à propos des soumissions et votre éligibilité, voir le lien suivant. Veuillez rappeler vos ami(e)s, collègues et étudiant(e)s!

Nous acceptons aussi depuis 2010 les soumissions d’¦uvres en format multicanal et les vidéomusiques.

jef chippewa & Yves Gigon, CEC

Detailed information about the project / Information détaillé sur le projet


[CALL] eContact! 19.4 Media-Specific Music

Communauté électroacoustique canadienne (CEC) Canadian Electroacoustic Community

NEWS – concert in Glasgow Monday 24 April

Von: Alistair MacDonald
Datum: Thu, 20 Apr 2017
Betreff: [cec-c] concert in Glasgow Monday 24 April

Sounds Unbound 2

7:30pm, Monday 24th April, AGOS Studio, Royal Conservatoire of Scotland

New electroacoustic music with film, mandolin, voice and electronics played on the Conservatoire’s multichannel surround sound system. Music by Electra Perivolaris, Jan Giedroyc, Matthew Grouse, Max Welton, Stuart Moir, Diana Salazar and Alistair MacDonald with Olga Ivakina (voice).

Dr Alistair MacDonald
Acting Associate Head of BMus and CCS
+44 (0)141 270 8302 (direct)

Nachruf auf Michael Hirsch (1958–2017)

Der Komponist, Künstler und Regisseur Christian Kesten hat anlässlich des plötzlichen Todes unseres Mitglieds Michael Hirsch am 6.Februar den hier gezeigten Nachruf auf den Komponisten und Schauspieler geschrieben:

Michael Hirsch (1958–2017)

Michael Hirsch war 16 Jahre alt, als er sich entschloss, an der „Arbeitsgemeinschaft Neue Musik“ des damaligen Religionslehrers, aber schon renommierten Komponisten Dieter Schnebel teilzunehmen. Er kam in Berührung mit früher Minimal Music von Terry Riley, den offenen Prozessen von Christian Wolff, mit Cage, Stockhausen, Kagel. Die AG wurde verschiedentlich von Josef Anton Riedl zu dessen Münchner Festival „Klang-Aktionen“ eingeladen. Schnebel und Riedl waren frühe Prägungen für Hirsch und dennoch blieb er als Komponist Autodidakt. Eine erste Komposition ist auf 1974/76 datiert, seit 1976 komponierte er kontinuierlich.

Von Anfang an ist seinem Komponieren eine Dialektik von Experiment und Tradition eigen. Neben klassischen Instrumentalformen wie Streichquartetten, Klaviersonaten und anderer Kammermusik gibt es Situationen wie acht Spieler an einem Kontrabass (Behandlungen, 1976) oder sieben Pianisten an einem Klavier (Zu 14 Händen, 1995), es gibt von Laut- und konkreter Poesie geprägte Sprachkompositionen und klassischen Gesang, es gibt Opern und neue Musiktheaterformen, und nie werden die Pole in einem Entweder-Oder behandelt, seine „undogmatische Offenheit gegenüber allen erdenklichen Mitteln musikalischen Ausdrucks“ führt meist zu Mischformen. Die verschiedenen „Genres“ lassen sich besser als Schichten verstehen, die zueinander in Beziehung gesetzt werden.

Sowohl innerhalb kleiner besetzter Stücke wie auch in ganzen Werkkomplexen findet sich auffallend bei Hirsch eine Simultaneität aufeinander bezogener autonomer Schichten. In Kopfecke, Wunderhöhle (1996) für 3 Sprecher, 3 Kassettenrecorder, 1 Geräuschemacher, Klavier und Holztrommeln beispielsweise sind die Stimmen voneinander unabhängig, jedoch durch ein System aus Signalen und Reaktionen miteinander vernetzt. Hirsch fand für sich die Form des „Konvoluts“, die Sammlung unterschiedlicher Notationsformen, die ihm die Koexistenz von konventionell notierten Instrumentalschichten mit Sprachkompositionen, Tonbandmusik, Verbalpartituren und theatralen Spielanweisungen ermöglichte. Dahinter steht immer ein kompositorischer Plan des Ganzen. Durch diese Simultaneität des Autonomen gelang Hirsch eine eigene Art der Kontrapunktik, eine Art „Metapolyphonie“.
Das musikdramatische Projekt nach Franz Kafka Beschreibung eines Kampfes (1986-92) ist ebenfalls als Konvolut angelegt. Neben der musiktheatralen Gesamtaufführung ist es möglich, einzelne Bestandteile autonom oder in kleineren Kombinationen aufzuführen – eine Bewegung im Kontinuum zwischen Konzert und Musiktheater.

Musique Concrète
Neben Instrumentalmusik und Musiktheater ist das „Genre der musique concrète“ ein wichtiger Strang in Michael Hirschs kompositorischem Werk. Die Fixed Medias fungieren in verschiedensten Kompositionen als Zuspielungen, auf die sich Instrumente oder Stimmen beziehen oder die eigenständig simultan ablaufen. In Beschreibung eines Kampfes hat die Schicht der musique concrète die Funktion eines „akustischen Bühnenbilds“. Meistens sind sie auch als isoliert aufführbare Werke gültig, wie beispielsweise Umbau 2 (2010), das als Zweikanal-Version auch auf CD erschien und in seiner sechskanaligen Fassung Bestandteil des Volumens 3 von Hirschs Konvolut-Projekt ist. Die Fixed-Media-Kompositionen sind Überlagerungen von zum Teil schwer identifizierbaren konkreten Klängen, geräuschhaft und perkussiv, dem erweiterten Arsenal eines Schlagzeugers zuzurechnen, wenn Tonhöhen ins Spiel kommen, bleiben sie eher unbestimmt. Man hört Aktionen wie Rollen, Wühlen, Fallenlassen, Zerknüllen und kann die Objekte dazu allenfalls assoziieren. Den Kompositionen ist eine besondere Art der Performativität eigen, Hirsch selbst sprach, analog zu Schnebels „sichtbarer Musik“, von „hörbarem Theater“. In einigen Stücken wie im Zuspiel zu Intérieur à 1 (2015) erscheinen auch von Hirsch selbst eingesprochene Sprechfragmente von eigens dafür geschriebenen Lautkompositionen. Die Kompositionsmethode dieser Fixed Medias ist die der Collage, sie sind streng durchkomponiert, die Klänge sind entsprechend einer je Stück eigenen Dramaturgie dezidiert gesetzt. Die Spuren sind nur gelegentlich dezent elektronisch bearbeitet, z. B. verlangsamt oder in unterschiedliche (künstliche) Räume platziert.

Für seine Sprachkompositionen verwendete Hirsch häufig gefundenes Material wie heimlich aufgenommene Alltagsgespräche oder mitgeschnittene Fernsehinterviews. Akribisch transkribierte er Versprecher, Fehler, dialektale Eigenheiten und notierte sie nicht in phonetischer Umschrift, sondern in üblicher Schrift. Die abweichenden Phänomene unterstrich er noch durch Übertreibungen wie Buchstabenwiederholungen oder -auslassungen. Großbuchstaben und Fettdruck sind die einzigen Interpretationsanweisungen für Betonung oder Lautstärke. Das Ausgangsmaterial durchlief so mehrere Verfremdungs- und Übersetzungsprozesse. Zusätzlich generierte er Material, z. B. indem ganze Passagen rückwärts gesprochen transkribiert wurden. Bei der kompositorischen Behandlung orientierte sich Hirsch immer primär an der phonetisch-klanglichen Gestalt. Die gelegentlich verständlichen semantischen Felder erscheinen „frei schwebend“ in diesen „Sprach-Klanglandschaften“. Lieder nach Texten aus dem täglichen Leben (1992-95) ist die einzige gesprochene Solo-Komposition, alle anderen Sprachkompositionen sind als eigene Schicht eingebettet in größere musikalische Zusammenhänge wie in Dialog für 2 Sprecher, Klänge und Gegenstände (1997), in dem sich Elemente von Sprachkomposition, musique concrète, Klanginstallation und Performance mischen, oder in Hirngespinste, einer nächtlichen Szene für 2 Spieler mit Akkordeon (1996): der Akkordeonist mit konventionell notiertem Akkordeonpart sitzt Rücken an Rücken mit dem Sprecher, der mit seinem Akkordeon lediglich einfache, den Atem verlängernde Aktionen ausführt; Sprach- und Instrumentalmusik verbinden sich in der einen Figur, zu der beide Spieler verschmelzen.

Das Konvolut
Der Werkkomplex Das Konvolut (2001-2011) besteht aus vier Volumina, die einzeln oder in einer Gesamtaufführung hintereinander gespielt werden können. Die Volumina selbst bestehen jeweils aus einer Sammlung von Stücken, die sich autonom oder in simultanen Kombinationen aufführen lassen und so komplexere musikalische Verläufe generieren können. Die Sammlungen bestehen aus Schichten wie Instrumentalmusik, musique concrète, Sprach-, Vokalkompositionen und szenischen Elementen. Volumen 1 ist in einer Gesamtaufführung als „Ouvertüre“ im Theater-Foyer konzipiert, das Monodram Opera für eine Sängerin und CD-Zuspielung kann hier mit vier Instrumentalstücken sowie einer weiteren musique-concrète-Ebene kombiniert werden. Ähnlich verhält es sich mit den kammermusikalischen Studien in Volumen 2. In Volumen 3 erscheint dann die Kurzoper La Didone abbandonata, die auf einem Opera-seria-Libretto von Pietro Metastasio von 1724 basiert, das als Textebene den gesamten Konvolut-Komplex durchdringt. Die Oper kann inszeniert werden oder als Kantate konzertant bleiben. Volumen 4 beendet den Komplex dann mit vier monochromen Holzstücken, die alle mit reinen Holzklängen arbeiten – I für mindestens zwei Schlagzeuger, II für Zuspielung, III für zwei Geräuschemacher und IV für drei CD-Player.

Nachdem seine kompositorische Arbeit seit jeher davon geprägt war, grenzüberschreitend Elemente von Sprache und Szene zu integrieren und so neue Formen von Musiktheater und konzertante Zwischenformen zu entwickeln, stellte sich Hirsch mit seiner ersten Oper Das stille Zimmer (1998/99) ganz in deren Gattungstradition. Schon seit seiner Kindheit war Hirsch ein großer Opern-Fan, -Kenner und -Gänger. Er begriff jedoch das „Gesamtkunstwerk“ Oper als offenes Feld und kontrapunktierte die Komposition für fünf Frauenstimmen und Orchester mit Elementen von Hörspiel, Schauspiel, musique concrète, Sprachkomposition, Performance und Installation. Den fünf Frauen sind fünf männliche Schauspieler gegenübergestellt. Das Libretto basiert allein auf Gedichten und Texten von Ernst Herbeck, alle Rollen sind Figuren aus Herbecks Gedichten. Die Oper bleibt in ihrer abstrakten Konstruktion ohne lineare Narration. Erst in den nachfolgenden Kurzopern arbeitete Hirsch mit veritablen Erzählstoffen.
Basierend auf Fernando de Rojas Lesedrama La tragicomedia di Calisto y Melibea (1499) schrieb Hirsch drei Kurzopern – Die Klage des Pleberio für Bariton, Kammerensemble und Zuspiel (2005), Celestina im Gespräch mit sich selbst für Tenor und Kammerensemble (2006) und Tragicomedia, eine Art A-Capella-Musiktheater für sechs Gesangssolisten (2009). Sie sah Hirsch als Stationen auf dem Weg zu einer neuen großen Oper, La Celestina. Geplant war eine weitere Vorstudie, die experimentellere Musiktheater-Mittel wie Elemente aus Sprechtheater, Performance und musique concrète verwenden sollte. Er arbeitete sich konvolutartig an dieses Großprojekt heran und ließ auch „noch völlig offen“, ob es eventuell ein „sehr heterogener Zyklus von mehreren, autonomen Stücken“ bleiben sollte.

Michael Hirsch nannte sich Komponist und Schauspieler. Er spielte indes nie psychologisch geführte Rollen eines Sprechtheaters. Im Bilder- und Körpertheater Achim Freyers war er Bühnenfigur, meistens stumm. Sein Sprechen auf der Bühne für Lachenmann, Riedl oder Schnebel stand fast immer in musikalischen, sprachkompositorischen Zusammenhängen. Als Ensemblemitglied der Maulwerker interpretierte er schon seit Mitte der 80er Jahre Schnebels experimentelle Vokalmusik und dessen Kompositionen für Gesten und Stimme, später auch Stücke zahlreicher jüngerer Komponistinnen und Komponisten. Michael Hirsch war ein unvergleichlicher Performer. Früh hatte er Buster-Keaton-Studien betrieben, Quelle seiner unnachahmlich starken Bühnenpräsenz war die Verbindung seines darstellerischen und musikalischen Talents. Die Fähigkeit, sich beim Machen selbst zuzuhören und die Aktionen musikalisch zu strukturieren, verlieh seinem Spiel die ihm eigene Präzision und Klarheit. Einzigartig bleiben seine Versionen von Cages Theatre Piece oder den Theater-Soli aus den Song Books. Er durchschritt diese Soli mit seiner kompositorischen Vision, auch im Ausführen von Aktionen war er Musiker. Man muss sich vergegenwärtigen, dass Hirsch alle Aktionen für seine musique concrète selbst eingespielt hat. Auch einige seiner Sprachkompositionen hatte er für sich selbst geschrieben. Eine seiner letzten, Intérieur à 1 (2015), entfaltet im Spannungsfeld von Sprach-, Papieraktion und Zuspiel einen dichten inneren Kosmos, ungekünstelt und direkt, intensiv und klar.

Michael Hirsch starb plötzlich und wohl auch für ihn überraschend. Er stand mitten im Leben. Sein Opern-Projekt Dido an der Deutschen Oper hatte gerade erst Premiere und noch fünf Aufführungen vor sich. Seine abendfüllende musiktheatrale Komposition Sisyphos (Der Schlaf II) für fünf Maulwerker (Vokalisten/Darsteller) und 8-Kanal-Zuspielung, für das er 2015 ein Arbeitsstipendium des Berliner Senats erhalten hatte, harrte nach umfänglicher Materialsammlung und Vorkonzeption immer noch, mangels eines konkreten Aufführungstermins, der Ausarbeitung in eine Partitur. Auch der La Celestina-Zyklus bleibt nun unvollendet.

Was bleibt, ist sein vielschichtiges und reiches Werk in sehr eigener Handschrift, eine wichtige Position in der aktuellen Musik- und Musiktheaterwelt – und die Erinnerung an einen liebenswürdigen Menschen, einen Kollegen und Freund und seinen unerbittlichen Humor.

Christian Kesten

STUDIUM – Masterstudium Professional Media Creation (M.A.)

Von: Florian Hartlieb
Datum: Wed, 19 Apr 20
Betreff: Masterstudium Professional Media Creation (M.A.)

Masterstudium Professional Media Creation (M.A.)

Ab sofort kann sich wieder für das Masterstudium „Professional Media Creation“ beworben werden, angeboten vom SAE Institute Bochum in Kooperation mit dem Institut für Computermusik und elektronische Medien (ICEM) der Folkwang Universität der Künste in Essen.

Ziel des Studiengangs ist die Realisation eines künstlerischen Projekts aus einem der folgenden Bereiche: Musik, Film, Video-, Installations- und Medienkunst, Sound-Art, bildende Kunst, Fotografie, Game-Art oder eine vergleichbare Kunst-Disziplin.

Folgende Unterlagen müssen zur Bewerbung eingereicht werden:

– Schriftlich verfasste Idee für ein Masterprojekt
– Hochschulzeugnis eines ersten, berufsqualifizierenden BA-Studiengangs (oder vergleichbar)
– CV
– Portfolio der bisherigen Arbeiten

Bewerbungsfrist für das kommende Wintersemester 2017/2018 ist der 15.06.2017

Die Bewerbungsunterlagen können per Mail an den Studiengangsleiter Florian Hartlieb ( gesendet werden.

Mehr Informationen:

Florian Hartlieb
Programme Leader Professional Media Creation

SAE Institute Bochum
Springerplatz 1
D-44793 Bochum

T: +49 (0)234 81 03 04 11
F: +49 (0)234 81 03 04 99


RADIO – Vancouver Co-operative Radio will turn the airwaves over to the wetland creatures on #EarthDay2017

Von: New Adventures in Sound Art via cec conference
Datum: Tue, 18 Apr 2017
Betreff: [cec-c] Vancouver Co-operative Radio will turn the airwaves over to the wetland creatures on #EarthDay2017

Thought I’d pass on this PR we just received as it may be of interest to some of you…

Wild Creatures Take Over the Airwaves on April 22, 2017, when

Vancouver Co-operative Radio Invites Listeners to Celebrate Earth Day with a 24-Hour Soundscape from a Saturna Island Wetland

For years man has been pumping his affairs out across the wilderness environment. For once the natural soundscape would be allowed, in its wisdom, to speak back to us. — R. Murray Schafer

On April 22, 2017, Vancouver Co-operative Radio will broadcast a very special Earth Day presentation. The station will host, in real time, a twenty-four-hour recording of the soundscape produced by a lush wetland on Saturna Island, British Columbia. For the entire day, the airwaves will be turned over to the voices of creatures—frogs, birds, insects and more—for this exercise in “slow radio.” The Wetland broadcast will be the longest uninterrupted radio program in Canadian history. The presentation is created and produced by British Columbia multimedia artists Brady Marks and Mark Timmings.

We invite listeners from around the world to participate in this extraordinary event to celebrate Earth Day 2017. If you are in the Vancouver area, tune in at 100.5 FM from 4 am (PDT) on Saturday, April 22 to 7 am (PDT) on Sunday, April 23. Listeners elsewhere can visit to check for participating radio stations in their area or to stream the broadcast online beginning at 7 am (EDT)/11 am (UTC). The webcast will automatically synchronize with each listener’s local time and will feature an innovative soundscape visualization and interactive twitter display. Everyone is invited to add their voice to the soundscape during the broadcast by sending a tweet to @wetlandproject.

As an act of social and environmental awareness and activism, the Wetland broadcast exposes interconnections between the creatures in the marsh and you the listener in your homes, apartments and condos. Said Mark Timmings, “Make it the soundtrack to your day as you go about your chores and rituals. Witness the beauty of bird song when you wake in the morning and the chorus of frogs when you go to bed at night.” He explains, “Our approach is honest and lucid—plane noises have not been edited out. Given the environmental crises we face, it has never been more important to pay close attention to changing soundscapes and to let ourselves be re-enchanted by the natural world.”

The Wetland broadcast is a tribute to the World Soundscape Project (WSP) founded fifty years ago by Canadian composer R. Murray Schafer at Simon Fraser University. The members of the WSP initiated the discipline of Acoustic Ecology, pioneering the study of the relationship between humans and their sonic environment. In the words of composer, radio artist and WSP associate Hildegard Westerkamp, “learning how to listen and what kind of listeners we are in the world … is an environmental question.” She asks us, “How deeply are we engaged with the world through our ears?”

In his 1975 article “FM Radio as Observational Access to Wilderness Environments,” composer, researcher and WSP member Bruce Davis proposed “wilderness radio” that would broadcast sounds from a remote natural environment to the city. It would, in his words, be “a radio service which ‘listens in’ rather than ‘broadcasts out’.” This project would have impacted our relationship to Nature and our conceptualization of radio. His vision was never realized. The Wetland broadcast project picks up on his dream.

Visit for more information, including photos and interviews with Brady Marks, Mark Timmings, Bruce Davies and Hildegard Westerkamp. You can also explore other works in the Wetland Project in which Marks and Timmings, along with other collaborators, investigate the endangered marsh soundscape through musical composition and sound visualization.


– 30 –

Eric Leonardson
Mobile: 773-342-5012
Skype: worldlistening

NEWS – 5:4 Dialogues

Von: Monty Adkins via cec conference
Datum: Tue, 18 Apr 2017
Betreff: [cec-c] 5:4 Dialogues

Pleased to let you know of a long audio interview with 5:4’s Simon Cummings is now available here:

The Dialogues: Monty Adkins

It’s over 3.5hrs with a lot of musical interludes.

I hope you enjoy.


University of Huddersfield inspiring tomorrow’s professionals.

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