From: Joerg Lindenmaier
Date: December 18, 2010 8:52:17 PM GMT+01:00
Subject: degemnews

K o n z e r t

JÖRG LINDENMAIER – Computer Music

Montag, 20.12.2010, 19:00 Uhr

Loris – Galerie für zeitgenössische Kunst
Gartenstr. 114
10115 Berlin

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From: Jan Jacob Hofmann
Date: December 16, 2010 5:55:48 PM GMT+01:00
Subject: Fwd: 2011 Martirano Award

Below please find the guidelines for the 2011 Martirano
Composition Award. The deadline for the award is March 14, 2011
(postmark). Please inform your colleagues and students of this
opportunity.

Thank you for your help in promoting the 2011 Martirano
Composition Award.

Zack Browning
University of Illinois
Director, Martirano Composition Award
217-244-2686 office
email: zbrownin@illinois.edu www.zackbrowning.com
**********************************************************
The University Of Illinois School Of Music presents

The 2011 Salvatore Martirano Memorial Composition Award

Eligibility: Any composer, regardless of age or nationality.

Awards: First Prize cash award of $1000 and second prize cash award of
$500 plus performances by the University of Illinois New Music
Ensemble in November of 2011 at the Krannert Center for the Performing
Arts. Additional awards and performances may be given at the
discretion of the judges.

Judges: A panel of judges consisting of international composers and
University of Illinois music composition faculty members will select
the winning compositions. The winning composers are expected to attend
the award concert/reception and will be responsible for their
transportation costs (the competition will provide a stipend for
lodging). The winning composers will assume full responsibility for
providing adequate performance materials upon request.

Guidelines:
1. Medium: Full scores of any style or aesthetic direction for one to
fifteen performers (including vocalists) may be submitted. Works for
tape, electronics and/or mixed media with or without instruments/
voices are eligible.
2. Duration: 20 minutes maximum
3. Limit: One entry per composer
4. Entry fee: A non-refundable entry fee of fifteen U.S. dollars
($15.00) must be included with each submission. Payment must be in US
Dollars in the form of a check, international money order or credit
card (preferable). All checks and money orders must be payable to the
University of Illinois, and must be drawn on a U.S. bank. Please make
sure to print the credit card authorization form (click here for form)
and sign authorizing the use of the card for the amount specified, the
type of card, card number, and expiration date (incomplete
authorizations will be rejected).
5. Anonymous Submission: The composer’s name must not appear on the
score itself or on any item (tape, CD, etc.) submitted in supplement
to the application. A sealed envelope must accompany the score and
contain the composer’s name, address, telephone number/e-mail (if
applicable) and a brief biographical sketch. If a recording of the
work is available, it should accompany the score and be identified
only by the title of the composition.
6. Return of Materials: Scores will not be returned unless a self-
addressed, stamped envelope of the proper size is enclosed.
7. Previous winners and faculty and currently-enrolled students at the
University of Illinois are ineligible for the competition.

Send submissions to:
2011 Martirano Composition Award
Attn: Zack Browning, Director, Martirano Award
2136 Music Building
University of Illinois
1114 West Nevada
Urbana, IL 61801 USA
zbrownin@illinois.edu
http://camil.music.uiuc.edu/CompTheory/Awards/Martirano.html
www.zackbrowning.com

All submissions must be postmarked by March 14, 2011

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Von: „simon camatta“
Datum: 17. Dezember 2010 09:46:52 MEZ
Betreff: dreiundzwangzigsterDezember The Final baender bender Show
23.Dez. 2010 20:30h domicil, Dortmund, Hansastr.

Big BLINKLING @ baender bender

The Final baender bender Show. Last Time @ the domicil.

Feat.:
Jim Campbell – tape DJ
Achim Kämper – electronics, percussion
Simon Camatta – drums, percussion, electronics
Maik Ollhoff –drums, electronics
Tobias Daemgen – visuals

—
http://simoncamatta.blogspot.com

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Freitag, 17.12.10 um 23:05 Uhr

flying magnetic – An Aerial Radioscape

Von Christina Kubisch

„Als Vielfliegerin seit Jahren beruflich unterwegs, habe ich die Welt
der Flughäfen und ihre Mechanismen als Ausgangspunkt für ‚flying
magnetic‘ genommen. Die Klänge in den einzelnen Flughäfen haben sich
in den letzten Jahren stark verändert, die Zahl und Ausbreitung der
elektromagnetischen Felder ebenfalls. Lichtsysteme, Transformatoren,
elektronische Diebstahlsicherungen, Überwachungskameras, drahtlose
Internetzugänge, Handys, Computer, mobile Navigationssysteme etc.
bilden ein Spektrum von unsichtbaren Stromfeldern, die, wie unter
einem Tarnmantel versteckt, doch von unglaublicher Präsenz sind. Die
Aufnahmen entstanden u. a. in den Flughäfen von Chicago, Berlin,
Frankfurt, Seoul, Bukarest, Brüssel, Tokio, Mailand, London,
Birmingham, Paris, Lissabon.“ (die Autorin)

Produktion: WDR 2008/47’
DOWNLOAD:
http://www.wdr.de/radio/home/downloadportal/index.phtml

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> Below please find the guidelines for the 2011 Martirano
> Composition Award. The deadline for the award is March 14, 2011
> (postmark). Please inform your colleagues and students of this
> opportunity.
>
> Thank you for your help in promoting the 2011 Martirano
> Composition Award.
>
> Zack Browning
> University of Illinois
> Director, Martirano Composition Award
> 217-244-2686 office
> email: zbrownin@illinois.edu www.zackbrowning.com
>
> **********************************************************
>
> The University Of Illinois School Of Music presents
>
> The 2011 Salvatore Martirano Memorial Composition Award
>
> Eligibility: Any composer, regardless of age or nationality.
>
> Awards: First Prize cash award of $1000 and second prize cash award
> of $500 plus performances by the University of Illinois New Music
> Ensemble in November of 2011 at the Krannert Center for the
> Performing Arts. Additional awards and performances may be given at
> the discretion of the judges.
>
> Judges: A panel of judges consisting of international composers and
> University of Illinois music composition faculty members will select
> the winning compositions. The winning composers are expected to
> attend the award concert/reception and will be responsible for their
> transportation costs (the competition will provide a stipend for
> lodging). The winning composers will assume full responsibility for
> providing adequate performance materials upon request.
>
> Guidelines:
> 1. Medium: Full scores of any style or aesthetic direction for one to
> fifteen performers (including vocalists) may be submitted. Works for
> tape, electronics and/or mixed media with or without instruments/
> voices are eligible.
> 2. Duration: 20 minutes maximum
> 3. Limit: One entry per composer
> 4. Entry fee: A non-refundable entry fee of fifteen U.S. dollars
> ($15.00) must be included with each submission. Payment must be in US
> Dollars in the form of a check, international money order or credit
> card (preferable). All checks and money orders must be payable to the
> University of Illinois, and must be drawn on a U.S. bank. Please make
> sure to print the credit card authorization form (click here for
> form) and sign authorizing the use of the card for the amount
> specified, the type of card, card number, and expiration date
> (incomplete authorizations will be rejected).
> 5. Anonymous Submission: The composer’s name must not appear on the
> score itself or on any item (tape, CD, etc.) submitted in supplement
> to the application. A sealed envelope must accompany the score and
> contain the composer’s name, address, telephone number/e-mail (if
> applicable) and a brief biographical sketch. If a recording of the
> work is available, it should accompany the score and be identified
> only by the title of the composition.
> 6. Return of Materials: Scores will not be returned unless a self-
> addressed, stamped envelope of the proper size is enclosed.
> 7. Previous winners and faculty and currently-enrolled students at
> the University of Illinois are ineligible for the competition.
>
> Send submissions to:
> 2011 Martirano Composition Award
> Attn: Zack Browning, Director, Martirano Award
> 2136 Music Building
> University of Illinois
> 1114 West Nevada
> Urbana, IL 61801 USA
> zbrownin@illinois.edu
> http://camil.music.uiuc.edu/CompTheory/Awards/Martirano.html
> www.zackbrowning.com
>
> All submissions must be postmarked by March 14, 2011
>
>

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Call for submissions
Organised Sound: An International Journal of Music and Technology

Call for submissions

Volume 17, Number 2
Issue thematic title: Composing Motion: a Visual Music Retrospective
Date of Publication: August 2012
Publishers: Cambridge University Press

Issue co-ordinators: Margaret Schedel, Stony Brook University
(mschedel@gmail.com ) and Nick Fox-Gieg, York
University (nick@fox-gieg.com )

Visual music holds an important place at the cutting edge of today’s art,
but as a term it has been with us for almost a century. In 1912, art critic
Roger Fry coined the term „visual music“ in an attempt to describe
Kandinsky’s paintings, generally recognised to be the first purely abstract
canvases. Connecting Kandinsky’s non-representational art to the abstract
nature of music was a way to explain and interpret this new art form. Today,
the concept of visual music refers to visuals „composed and presented with
aesthetic strategies and procedures similar to those employed in the
composing or performance of music“1. Examples include abstract silent films
music, works using manual, mechanical, or algorithmic means of transcoding
sound to image, and even pieces which translate image into sound. Visual
music has also come to refer to a cross-disciplinary practice, which
originated in cinema in the 1930s through the work of filmmakers including
Oskar Fischinger, Mary Ellen Bute, and Len Lye. By the 1950s a new
generation of animators, including Norman McLaren, began the now commonplace
practice of merging the roles of composer and filmmaker by creating
sophisticated soundtracks to accompany their images. In the twenty-first
century artists can finally perform visuals, whether frame-by-frame or in
real time, with the same nuanced control that musicians have had for
thousands of years.

Artists and musicians thought to be synaesthetes, such as Kandinsky and
Scriabin, have played an important role in the development of visual music.
Perhaps this is why the ability to create art that mimics the involuntary
and instant synaesthetic experience in real-time has long been a paramount
goal for many practitioners. While standout individual accomplishments of
visual music performance occurred in the analog era, formidable economic
barriers limited its development. The recent availability of inexpensive
computer technology has allowed audio-visual performance practices,
including improvisation, to become widespread, creating a vibrant community
of musicians and filmmakers who constantly develop the field.

As animation historian William Moritz wrote, „Since ancient times artists
have longed to create with moving lights a music for the eye comparable to
the effects of sound for the ear. If they were less successful than
composers of auditory music, the sole reason rests in the fact that light is
harder to manipulate than air“2. The accessibility and adaptability of
today’s visual music technology makes it possible for us to take the
artistic possibilities of earlier analog efforts, such as ‚colour organs‘,
out of the museum and put them in the hands of millions of people.

The language of electroacoustic music is particularly suited for the
abstract imagery of visual music. If music is organised sound then visual
music is organised image. Just as sound art „can no longer be confined to
the organisation of notes“3 visual music needs to move beyond a vocabulary
developed for static images and instead shift to a gestural language of
time-based design. We hope this issue will encourage scholars from both the
visual and sonic spheres who will draw upon the scholarship of experimental
electroacoustic composition to create compelling investigations of any of
the following topics:

Tension between sound and vision
Surveys and case studies regarding modern or historical visual music
Rhetorics for describing, analysing, and critiquing visual music
Ontologies of visual music, questions of medium-specificity and modernism
Synaesthesia and other cognitive approaches to the perception of visual
music
Visual music as metaphor for intermedia/multimedia production
Visual music, experimental film, and classical film theory
Cantastoria, „lightning artists,“ and the performance roots of animation
Artist and programmer collaboration then and now
Code as the „new new media“
Innovations in procedural graphics and sound
Generative algorithms as „conceptual“ visual music
The rise of digital video, 1995-2005
New ideas in intermedia telematic collaboration
Kandinsky’s Point and Line to Plane and other algorithmic approaches to
visual music
Projection mapping in performance

As always, submissions related to the theme are encouraged; however, those
that fall outside the scope of this theme are always welcome.

Deadline for submissions is 15 October 2011. Submissions may consist of
papers, with optional supporting short compositions or excerpts,
audio-visual documentation of performances and/or other aspects related to
your submission that can be placed onto a DVD and the CUP website for
„Organised Sound“. Supporting audio and audio-visual material will be
presented as part of the journal’s annual DVD-ROM which will appear with
issue 17/3 as well on the journal’s website.

1 McDonnell, Maura. 2007. „Visual Music.“ In the Visual Music Marathon
Program brochure.
2 Moritz, William. 1986. „Towards an Aesthetics of Visual Music.“ ASIFA
Canada Bulletin, Vol. 14:3, Montreal.
3 Wishart, Trevor. 1996. On Sonic Art. Amsterdam: Overseas Publishers
Association. Pg 7.

SUBMISSION DEADLINE: 15 October 2011

SUBMISSION FORMAT:
Notes for Contributors and further details can be obtained from the inside
back cover of published issues of Organised Sound or at the following url:

http://journals.cambridge.org/action/displayMoreInfo?jid=OSO&type=ifc
(and download the pdf)

Properly formatted email submissions and general queries should be sent to:
os@dmu.ac.uk, not to the guest editors.

Hard copy of articles and images (only when requested) and other material
(e.g., sound and audio-visual files, etc.-normally max. 15′ sound files or
8′ movie files) should be submitted to:

Prof. Leigh Landy
Organised Sound
Clephan Building
De Montfort University
Leicester LE1 9BH, UK.

Editor: Leigh Landy
Associate Editors: Ross Kirk and Richard Orton
Regional Editors: Joel Chadabe, Lonce Wyse, Eduardo Miranda, Jøran Rudi,
Barry Truax, Ian Whalley, David Worrall
International Editorial Board: Marc Battier, Hannah Bosma, Alessandro
Cipriani, Simon Emmerson, , Kenneth Field, Rajmil Fischman, Rosemary
Mountain, Tony Myatt, Jean-Claude Risset, Margaret Schedel, Mary Simoni,
Martin Supper

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From: „Johannes S. Sistermanns“
Subject: Vorlesungen/VortragsPerformance – ETH Zürich / HKB Bern

ETH Zürich
CAAD Computer Aided Architecture Design
Prof. Ludger Hovestadt

Weniger ist alles [das Geringe wird groß]
Vor tragsPerf ormance / Gastvorlesung

16.12.2010
17:00
Johannes S. Sistermanns @ CAAD, HPZ,

http://wiki.caad.arch.ethz.ch/Education/GuestLectures

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Hochschule der Künste, Bern
Gastvorlesung Medialität der Künste

I thought I saw you
Mediales Komponieren aus/in Bild, Klang und Text.
mit TV Oberflächen, Outback landscapes und stretched Manhattan
Video- und Fotopartituren in Stereosound

20.12.2010
15:00
Johannes S. Sistermanns

http://www.medien-kunst.ch/aktuell/

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http://earreader.nl/

a web magazine for contemporary composition based in the Netherlands

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Von: newsletter@poeticarts.de
Datum: 14. Dezember 2010 23:48:10 MEZ
Betreff: kunstoderunfall news, klangspuren tollwood

Kunst oder Unfall present:

K L A N G S P U R E N

Mi 15. – Do. 23. Dezember || Augusta und Kalle Laar »Deine Spur in die
Zukunft«.
Soundinstallation Performance-Pavillion Tollwood München

Ein Jeder lege seine Spur in die Zukunft. Im Performance-Pavillon
können Tollwood-Besucher 60 Sekunden lang Hoffnungen, Wünsche, Ängste
und Erwartungen auf Band sprechen. Diese Aufnahmen werden dann zu
einem Endlos-Loop gesampelt und über Lautsprecher wiedergegeben. So
entsteht ein ständig wachsender Zukunftschor.

Live Termine: || Mi 15.12: 17-19 Uhr || Do 16.12: 19.30-21.30 Uhr ||
Fr 17.12: 17-19 Uhr || Sa 18.12: 19.30-21.30 Uhr || So 19.12: 18-20
Uhr || Mo 20.12: 19.30-21.30 Uhr || Di 21.12: 17-19 Uhr || Mi 22.12:
19.30-21.30 Uhr || Do 23.12: 17-19 Uhr

Online Teilnahme : Schicken sie uns ihre Zukunft !

Wie werden Sie sich fühlen im Jahr 2030, in 20 Jahren? Wovor werden
Sie sich fürchten in diesem Jahr, was werden Sie sich wünschen, was
werden Sie zu diesem Zeitpunkt hoffen? Wie wird Ihre Welt aussehen,
welchen neuen Herausforderungen begegnen Sie, was für Wünsche werden
sich erfüllt haben ?

Nehmen Sie (am Besten direkt in Ihrem Computer) ein AudioFile auf mit
bis zu 60 Sekunden Ihrer Hoffnungen, Wünsche, Ängste und Erwartungen
und mailen Sie es an zukunft@kunstoderunfall.de

Mit der Aufnahme werden Sie dann vom 15.-23. Dezember im Rahmen des
Klangspuren-Projektes zum Mitglied des Zukunfts-Chores im Performance
Pavillion des Tollwood Winterfestivals München. Anschließend wird das
Projekt online dokumentiert.

www.kunstoderunfall.de

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From: Proposal to composers
Date: 2010/12/11
Subject: Proposition aux compositeurs/ Proposal to composers

Proposal to composers

To composers who wish to compose with some of Luc Ferrari’s sound
archives or to use them in their musical project, PRESQUE RIEN
Association proposes to visit the track list on the site
lucferrari.org
and listen to the files that will be available to them.
These sound files were collected during a first portion of digitizing
Ferrari’s magnetic archives and should be downloaded on request from
proposal@lucferrari.org

Needless to say that the candidates should include in their program
and copyright declaration the name of Luc Ferrari as well as the name
of used sounds and their duration.
The pieces thus produced and sent to the Association PRESQUE RIEN:

Atelier post-billig
11, cité Voltaire
75011 Paris – France

will be carefully listened to by a jury that meets every two years.
The thus selected composition will be endowed with a prize and appear,
obviously with the name of its composer and his internet link, if
desired, on the site lucferrari.org.
We expect your project with curiosity and impatience!

————————————

From: microsound-announce-bounces@or8.net
Sent: Montag, 13. Dezember 2010 14:51

Friday 17/12/2010 Doors 21:00, Concert 22:00

@NK
Elsenstr. 52/
2.Hinterhaus Etage 2
12059 Berlin Neukölln
http://www.nkprojekt.de/

3XSOLO

HELENA GOUGH
BERND SCHURER
ROBIN HAYWARD

Helena Gough is an English sound artist currently living in Berlin. Her work initially focused upon the collection and manipulation of ‘real-world’ sound material and the exploration of its abstract properties. Occasional deviations into synthetic and instrumental sources are now developing into more prominent ingredients. Each new sound-space is created by taking everything possible from the tiniest element, working to make something from nearly nothing. This reduction in means yields a density and richness of results.

As a solo (laptop) player she presents her music live on a regular basis, and is also a member of various improvising electro-acoustic ensembles involving musicians such as Lee Patterson, Andrea Neumann and Rhodri Davies. Her live sets are intended for dark spaces and involve multi-layering and improvisation with her sound materials in order to create a unique environment for each new performance. Studio collaborations are currently underway with Dutch composer Esther Venrooy and Swiss sound artist Zimoun.

Her debut solo album was released at the beginning of 2007 by the London based label Entr’acte, followed by a second album is June 2010.

http://www.helenagough.net
http://www.myspace.com/helenagough

Bernd Schurer’s artistic focus lies on the work with sound in a broad spectrum of different contexts: a constant shift, although, mostly investigating the experiential relationship between sound and what one would generally describe as space. There is a strong fascination in the study of the perception of sound and our interpretative patterns, and there has been done some artistic research in the domains of Psychoacoustics, Architecture, Auralization, Sonification and Audio- Visual Representation Systems. Presentations may vary from Computer Music Diffusion to Installation work to abstract Sound Art. Some of it has been exhibited internationally on various scales, from micro galleries to public space, from “art at home” to the Venice Art Biennial. Since 1996 he is co-editor and curator for electronic sound pieces at the domizil.ch imprint in Zürich, together with Marcus Maeder. Bernd Schurer was born 1970 in Zurich; he studied Philosophy and Film Science with Professor W. Schobinger at the University of Zurich in 1993 and Visual Art at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts 1998. He currently is a Master Student of Electroacoustic Composition and Theory / Media-technology at the Zürich Univeristy of the Arts with Professors Germàn Toro- Perés and Martin Neukom.

http://heterophenomenological.net
http://domizil.ch

The tuba player Robin Hayward, born in Brighton, England in 1969, has been based in Berlin since 1998. He has redefined the tuba’s potential both in the areas of noise and microtonality, and his compositions for other instruments reflect a similar experimental, medium-specific approach. Pieces have been written for him by such composers as Alvin Lucier and Christian Wolff. He has toured extensively both solo and in collaboration. His approach to the tuba has been documented in the solo CDs Valve Division and States of Rushing, along with various collaborative releases. Active in many contemporary music ensembles including Phosphor and Kammerensemble Neue Musik Berlin, in 2005 he founded Zinc & Copper Works for continued research into brass instruments.

The Microtonal Tuba

‘Originally conceived by Robin Hayward in 2003, the first fully microtonal tuba was developed in 2009 together with the firm B&S, with support from B&S and the Berliner Senat. The new system makes it possible to play every conceivable pitch throughout the instrument’s five octave range. All tuning systems, both tempered and non-tempered, thus become readily available, and the tuba’s timbral potential may now be explored independently of its microtonal potential.’

http://www.robinhayward.de/
—
NK PROJEKT
http://www.nkprojekt.de/
Elsenstr. 52/
2.Hinterhaus Etage 2
12059 Berlin Neukölln
0049(0)17620626385

JULIAN PERCY
http://www.myspace.com/ratbag_
http://www.myspace.com/lastdominionlost

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Von: Matthias Schneider-Hollek
Datum: 14. Dezember 2010 22:10:26 MEZ
Betreff: Elektrominibarklingelton Stuttgart

Freitag, 17.12.2010, 21:00 Uhr
~ Elektrominibarklingelton zeigt Bühnenstücke
ABV Zimmertheater, Heusteigstr. 45, (im Gebäude des alten Landtag),
(mit freundlicher Unterstützung durch die LBBW Kulturstiftung)
Es wird gegeben:
Chrysanthemen und Theremin
für 1 Person, Black-Box, Theremin, Plastikblumenarrangement,
Live-Elektronik (MaxMSP), kleinen Monitor, und StereoPA
von Claudia Senoner und Mark Lorenz Kysela
Ein Stück mit
Luise Wunderlich und Matthias Schneider-Hollek

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Von: „Susanna Poldauf“
Datum: 2. Dezember 2010 11:17:25 MEZ
Betreff: Wettbewerb operare 11

Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Künstler!

Wir möchten Sie auf den Wettbewerb operare 11 „Partner
gesucht“ (11.-15. April 2011) aufmerksam machen, der auch in diesem
Jahr wieder von der Zeitgenössischen Oper Berlin ausgeschrieben wird.

operare 11 wendet sich an Künstler aller Genres, ebenso an
Komponisten, Autoren, Kulturmanager, Architekten, Filmemacher,
Grenzgänger, Erfinder…, die für ihre Arbeit oder die Umsetzung einer
künstlerischen Idee Partner suchen. Das Besondere an operare 11 ist,
dass die verschiedenen Disziplinen im Rahmen eines Workshops
Projektgemeinschaften bilden, um für das gegenwartsbezogene
Musiktheater innovative Ideen zu entwickeln und zu realisieren.

Für die Ideenprämierung stehen 4 x 8.000 EURO zur Verfügung, die an
die Realisierung eines Projektes gebunden sind.

Sollten Sie selbst Interesse an dem Wettbewerb haben, so informieren
Sie sich unter www.operare.de ausführlicher über die
Teilnahmebedingungen.

Sollten Sie jemanden mit guten Ideen kennen, so leiten Sie diese Mail
bitte weiter.

Bewerbungsschluss: 1. März 2011

operare: „… die derzeit wohl innovativste Partnervermittlung im
Kulturbereich.“ (Der Tagesspiegel)

operare 11 ist ein Projekt der Zeitgenössischen Oper Berlin in
Kooperation mit dem Radialsystem V, dem KNM Berlin und der Akademie
der Künste im Rahmen von ohrenstrand.net. ohrenstrand.net wird
gefördert durch das Netzwerk Neue Musik und die Kulturverwaltung des
Landes Berlin.

——————————–

Hinweis auf die nächste Premiere der Zeitgenössischen Oper Berlin am
15.12.10 „Into the Dark“:
www.intothedark.de

——————————–

Für Rückfragen:

Susanna Poldauf

Zeitgenössische Oper Berlin
Projektmanagement
Tel: +49 173 241 5874
Email: poldauf@zeitgenoessische-oper.de
www.zeitgenoessische-oper.de
www.operare.de
www.ohrenstrand.net

————————————

From: Pierre Alexandre Tremblay
Date: December 13, 2010 3:38:06 PM GMT+01:00
Subject: ICMC 2011 submission website now online

Dear all

The submission website is now online!

http://icmc2011.org.uk/submit/

Thank you for your patience, and we look forward to seeing you in
Huddersfield next summer.

pa

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From: Yves Gigon
Date: December 11, 2010 6:52:37 PM GMT+01:00
Subject: Fwd: EMAF 2011 – CALL FOR ENTRIES – deadline extended until
December 24th 2010
// EUROPEAN MEDIA ART FESTIVAL OSNABRUECK

27. April – 01. May 2011 Festival
27. April – 29. May 2011 Ausstellung

www.emaf.de

// CALL FOR ENTRIES

Due to the numerous requests we have extended the deadline for

applications until December 24th 2010.

// INFOS AND APPLICATION DOCUMENTS CAN BE FOUND AT WWW.EMAF.DE

// You’re invited to send us films, videos, performance projects
or expanded media works.
Please use the online forms for all submissions.

EMAF is one of the most influential forums of international Media Art.
As a meeting point for artists, curators, distributors, galleries and
an audience of experts the festival has a great impact on the topics
and aesthetics of Media Art.
The festival topics are ranging from personal and political subjects
or formal experiments to provocative statements from the pulsating
area of „Media Art – Society“.

// AWARDS
An international jury will present the >EMAF Award< for a trend-
setting work in Media Art and the >Dialogpreis< of the German
Ministry of Foreign Affairs for the promotion of intercultural exchange.
The „Newcomer Award“ will be given to a work by an young and
emerging artist.
Furthermore, the jury of the German Federal Association of Film
Journalists will award the prize for the best German experimental
film.

// We warmly invite you to shape and discover new experimental media
based arts in Osnabrueck April 2011.

// By now we wish you a nice Christmas time and a Happy New Year.
The festival team: Hermann Noering, Alfred Rotert, Ralf Sausmikat

// SPONSORS
nordmedia – Die Mediengesellschaft Niedersachsen/Bremen mbH
Stadt Osnabrueck
Auswaertiges Amt, Berlin
Bundesministerium für Bildung und Forschung, Berlin
EU Funding EFRE
EU Culture Programme
as well as donations from further sponsors.

Contact/Address/Postal:

European Media Art Festival
Lohstrasse 45 a,
D-49074 Osnabrueck

phone +49 (0) 5 41 – 2 16 58,
fax +49 (0) 5 41 – 2 83 27
mail: info(at)emaf.de
www.emaf.de

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From: „Jan Jacob Hofmann“
Subject: [VORTRAG] Frankfurt am Main: Vortrag DJ Spooky in der Städelschule

Herzliche Einladung zu einer Veranstaltung der Städelschule!

Vortrag
Paul D. Miller / Dj Spooky: Sound Unbound
Dienstag, 14. Dezember 2010, 19 Uhr, Aula

Sound Unbound is Paul D. Miller’s follow up to his award winning
first book Rhythm Science (MIT Press, 2004). First and foremost,
Sound Unbound is an anthology – it’s a collection of thirty-six
essays that focus on the role of the artist, composer, and writer in
a world that is becoming more interconnected every day.
In a lecture format, exploring the overall theme of sound in
contemporary art, digital media, and composition, Miller reconstructs
the history of sound and recorded media by several of the most well
known artists of their field – ranging from Brian Eno, Steve Reich,
Moby, Chuck D, and Pierre Boulez, to artists, writers and
theoreticians like Jonathan Lethem, Bruce Sterling, Manuel Delanda,
and even Islamic culture’s relationship to hip hop with essay by
media activist and artist Naeem Mohaimen. In using the essays that
are in Sound Unbound, Miller makes the lecture format a cross between
a formal exploration of the issues Sound Unbound focused on, and the
remix concept that drives much of the book. It’s a rip-mix-burn-lecture.
Rhythm Science author Paul Miller aka DJ Spooky that Subliminal Kid
asks artists to describe their work and compositional strategies in
their own words. These are reports from the front lines on the role
of sound and digital media in an information-based society. Miller’s
lecture will be an hour, and is accompanied by his use of many
historic texts, rare audio recordings and films, to demonstrate the
complex relationship between text and art in a multimedia context.

In collaboration with the Weltkulturen Museum Frankfurt am Main.
Die Veranstaltung findet in englischer Sprache statt.

Staatliche Hochschule für Bildende Künste – Städelschule
Dürerstraße 10
D-60596 Frankfurt am Main
Tel +49 (0) 69 60 50 08-0
Fax +49 (0) 69 60 50 08-66
www.staedelschule.de

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From: Harald Muenz
Sent: Monday, December 13, 2010 10:19 AM
Subject: LÜBECK – Konzert des Elektronischen Studios

Musikhochschule Lübeck
Große Petersgrube 21, 23552 Lübeck

Konzert des Elektronischen Studios
Di. 14.12.2010 | 20 Uhr | Großer Saal

Katharina Roth (*1990)
ne pas presque rien – mais un peu plus 10′
Hommage à Luc Ferrari (2010, überarbeitete Version)
für Violoncello und Tonband, Adam Grob, Violoncello

Karel Goeyvaerts (1923-1993)
Compositie Nr 7 met convergerende en 2′
divergerende niveaus (1955)
Compositie Nr 5 met zuivere tonen (1953) 3′

Harald Muenz (*1965)
Orèlob 80 (2008) 2′

Doungkyu Rhee (*1984)
Schmiedestraße (2010; UA) 7′

Thomas Reifner (*1990)
AH-64/TADS (2010; UA) 9′

-Pause-

Karel Goeyvaerts
Compositie Nr 4 met dode tonen (1952) 10′

Reso Kiknadze (*1960)
FOF-Variationen (1998) 6′

Wataru Katoh (*1981)
Reflexion (2010; revidierte Fassung) 8′
für Violine mit Elektronik, Yoo Jung, Violine

Künstlerische Leitung: Harald Muenz
Produktionsassistenz und technische Gesamtleitung: Reso Kiknadze
Wir danken Thomas Fricke-Masur für seine Unterstützung.

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Katharina Roth – ne pas presque rien – mais un peu plus
In diesem Stück ist der Klang des Wassers, genauer des Meeres, mein
Ausgangsmaterial. In dieses Material habe ich genauer „hineingeschaut“ –
quasi wie mit einer akustischen Lupe – und schließlich verschiedene
Abstufungen miteinander kombiniert, so dass ein farbenprächtiges und
schillerndes Continuum entstanden ist. In dieses Continuum dringt das Cello
ein und geht schließlich darin auf. Cello und Tonband sind in meinem Stück
als eine Einheit gedacht, sollen also miteinander verschmelzen. Davon gibt
es innerhalb des Stückes verschiedene Abstufungen.

Karel Goeyvaerts – Compositie Nr 4 met dode tonen
Compositie Nr 5 met zuivere tonen
Compositie Nr 7 met convergerende en divergerende niveaus

Der im flämischen Antwerpen geborene Karel Goeyvaerts studierte bei Darius
Milhaud und Olivier Messiaen in Paris und setzte sich früh eingehend mit dem
Werk Anton Weberns auseinander. Mit seiner Sonate Nr. 1 für zwei Klaviere
(1950-51) wurde er als Autor der ersten streng seriell organisierten
Komposition bekannt; konsequentes Reihendenken entsprang Goeyvaerts‘
geradezu religiösem Begriff von Perfektion und Reinheit in der Musik. 1951
lernte er bei den Darmstädter Ferienkursen Karlheinz Stockhausen kennen, für
den er die Sonate analysierte und deren zweiten Teil sie gemeinsam
uraufführten. „Bald sollte Boulez das Gleiche entdecken, als er Polyphonie X
schrieb, und Stockhausen mit Kreuzspiel, letzteres direkt von meiner Sonate
beeinflußt, wie Stockhausen später zugestand“ (Goeyvaerts in Mark Delaere:
Karel Goeyvaerts. Selbstlose Musik. Texte, Briefe, Gespräche. Köln:
MusikTexte, 2010). Die ca. 80 Briefe, die Goeyvaerts an Stockhausen schrieb,
bilden ein Schlüsseldokument für die Kompositionsgeschichte der frühen
1950er Jahre. Sie wurden im November 2010 erstmals publiziert.

Der lebhafte Briefwechsel endet am 24. 9. 1958. Wenige Tage zuvor hatte
Goeyvaerts auf Einladung Bernd Alois Zimmermanns den Eröffnungsvortrag zum
Münchner Zwölftonkongreß gehalten, in dem er den von ihm selbst begründeten
Serialismus als „das Schiff … zum Tode“ bezeichnete, aber auch
prognostizierte, „daß die serielle Musik nicht allein der wahrste
musikalische Ausdruck unserer Zeit ist, sondern auch, daß sie als ein
schönes Zeugnis in der Zukunft klingen wird.“ Danach zog er sich aus dem
Musikleben zurück. Nach mehrjähriger Übersetzertätigkeit für die Fluglinie
Sabena wird er vom flämischen Rundfunk zunächst ans elektronische Studio
IPEM in Gent, später als Redakteur für neue Musik in Brüssel verpflichtet.
In seinen Kompositionen ab etwa 1979 wandte sich Goeyvaerts vom seriellen
Komponieren ab und entwickelte eine eigenständige Art mehrschichtiger
Minimal Music, die er „entwickelnd-repetitiv“ nannte. Sie gipfelt in der
quasi-tonalen Oper Aquarius (1991-92).

Bis 1953 strebte Goeyvaerts eine Gesamtrationalisierung der musikalischen
Struktur an; aus diesem Grund schien ihm lange Zeit allein elektronische
Musik Gültigkeit beanspruchen zu können, da in ihr jegliche Strukturidee
kompromißlos und ohne Rücksicht auf die Gegebenheiten des menschlichen
Instrumentalspiels verwirklicht werden konnte. Die Komposition Nr. 4 mit
toten Tönen (1952) fokussiert die kompositorische Arbeit ganz auf den Aspekt
der Zeitgestaltung. „Anstatt unkontrollierte Klangdimensionen zu benutzen“
(Goeyvaerts) überläßt der Komponist hier dem Studio-Realisator die Auswahl
der vier für deren Artikulation benötigten Klangmaterialien.
Goeyvaerts‘ elektronische Komposition Nr. 5 mit reinen Tönen vom März 1953
scheint die erste Sinustonkomposition überhaupt zu sein. Sie mußte bis
Herbst 1953 auf die Realisierung warten, die dann im Kölner WDR-Studio unter
Mithilfe von Stockhausen und Gottfried Michael Koenig erfolgte. In der
Zwischenzeit allerdings hatte Stockhausen bereits seine Elektronische Studie
Nr. 1 komponiert, die er in Köln sofort hatte realisieren können. In
Komposition Nr. 5 reduziert Goeyvaerts den musikalischen Prozeß auf
isolierte akustische Einheiten und greift auf die elementarsten Aspekte von
Klangkomposition zurück: Die Zeit- und Raumproportionen sind die zahlenmäßig
einfachsten 1:2, 2:3, 3:4, die sich auch in der Obertonreihe wiederfinden;
dies läßt sich vielleicht mit der Reduktion der bildnerischen Mittel auf
elementare Formen und Grundfarben bei Piet Mondriaan vergleichen. Goeyvaerts
schreibt: „In der Komposition Nr. 5 hatte ich zum ersten Mal rationale
Proportionen von Zeit, Lautstärke und Tonhöhe gestaltet. Beim Hören gibt es
aber offenbar einen großen Unterschied in der Wahrnehmungsschärfe jeder
dieser drei Dimensionen. Die Tonhöhenproportionen sind ausgesprochen
deutlich und bekommen dadurch eine Autonomie, die es schwierig macht, sie
noch auf weitere Dimensionen zu beziehen: Sie bilden ein eigenes, stark
ausgeprägtes Phänomen.“

In seiner Komposition Nr. 7 mit konvergierenden und divergierenden Niveaus
(1955) versucht Goeyvaerts zum ersten Mal kontinuierliche Bewegungen
zwischen festen Punkten zu schaffen, was zu einer neuartigen, fluktuierenden
Kontrapunktik führt.

Harald Muenz – Orèlob 80
Die Komposition ist ein kurzer Beitrag zum CD-Projekt „Noise of Cologne“
herausgegeben vom Kulturamt der Stadt Köln. Das Vorbild scheint durch;
bereits zu Lebzeiten des Komponisten hatte es aufgrund seiner Popularität
mit erheblichen Vorbehalten zu kämpfen. Der Autor selbst blieb – Adornos
Aufsatz zum Trotz – unter „Avantgarde“-Kollegen tabu, seine Musik als
„Kaffeehausmusik mit Nonen“ diskreditiert. Sehr viel spätere Komponisten
hätten hier „minimalistische“, oder auch „spektrale“ Qualitäten erkennen
können: Traditionelle Handwerksparameter wie pitch und duration werden
zugunsten der Klangfarbe kaltgestellt, parallel zum quasi durchgehenden
Intensitäts-zuwachs treten immer dissonantere Obertöne hinzu bis Glissandi
gar auf ein Tonhöhen-kontinuum jenseits chromatischer Stufen verweisen. Die
Tanzform indes scheint geradezu „postmodern“ ausgehöhlt. Zum 80sten der
Versuch einer Rehabilitation des musikalisch Unterschätzten bei den
„Connaisseurs“ – und das auch noch rückwärts. (hm 2008)

Doungkyu Rhee – Schmiedestraße
Ich war in den Sommerferien in Korea und habe dort auf einer Insel Urlaub
gemacht. In der Nacht hörte ich die Klänge von Grillen. Sonst war niemand
dort, deswegen drangen diese Geräusche noch deutlicher an meine Ohren. Ich
fand diese Laute unheimlich schön; sie inspirierten mich zum Komponieren.
Andere Klänge, die in meinem Stück vorkommen, habe ich an einer Baustelle in
der Lübecker Schmiedestraße aufgenommen, wo ich gerade wohne. Diese
Bauarbeiten dauerten 3 Monate lang und während dieser Zeit war ich völlig
mit den Nerven am Ende. Ich habe mit diesen beiden Materialien gearbeitet
und wollte wissen, wie die kontrastierenden Klänge miteinander verschmelzen
können.

Thomas Reifner – AH-64/TADS
Das Tonmaterial dieses Stücks entstammt der Audiospur des im April 2010 von
der Internet-Plattform „WikiLeaks“ veröffentlichten Videos mit dem Titel
„Collateral Murder“, das authentische Szenen eines amerikanischen
Militäreinsatzes mit zwei Kampfhubschraubern im Juli 2007 in Bagdad zeigt.
Die Aufnahmen enthalten Funksprüche der beteiligten Streitkräfte sowie
Bildmaterial der Visierkamera, die von dem System der Zielerfassung „Target
Acquisition and Designation Sights“ („TADS“) eines der Helikopter
aufgezeichnet wurden.
Das Video hat für Aufsehen in der Öffentlichkeit gesorgt, da bei dem Einsatz
zwei Kinder schwer verletzt und etwa ein Dutzend Zivilpersonen getötet
wurden – darunter zwei Mitarbeiter der internationalen Nachrichtenagentur
„Reuters“. Aufgrund der für solche „Air-to-Ground“-Angriffe üblichen großen
Entfernung und damit schlechten Sicht auf die Ziele, waren die Zivilisten
irrtümlich für bewaffnete Widerstandskämpfer gehalten worden.

Fasziniert hat mich die Authentizität und Exklusivität der Quelle.
Aufzeichnungen dieser Art werden unter Verschluss gehalten und gelangen nur
über illegale Wege an die Öffentlichkeit.
Das Klangmaterial selbst ist insofern eine Herausforderung, als dass es sich
auf wenige Elemente wie Grundrauschen, Stimmen sowie einen
Bestätigungs-Piepton der Funkgeräte beschränkt, zudem verzerrt und durch
Störgeräusche verschmutzt ist. Mein Ziel war es, dieses Material einerseits
ohne klangliche Bearbeitung, andererseits mit verschiedenen Filter- und
Verfremdungsverfahren in einen musikalischen Kontext zu bringen, ohne dabei
das narrative Moment des Videos zu vernachlässigen.

Reso Kiknadze – FOF-Variationen
FOF (Fonction d’Onde Formantique) ist ein Opcode der alten
Musikprogrammiersprache Csound (in den 1990er Jahren unser primäres Lern-
und Komponierwerkzeug im Studio) und basiert auf der ursprünglich in IRCAM
entwickelten Synthesemethode zur Vokalsimulation. In dieser kleinen
(selbst)ironischen Studie werden die etwa 15 Parameter dieses Opcodes mal
einzeln, mal in Gruppen variiert, einer der zuvor festgelegten Kurven
folgend und zwischen dem Audio- und Subaudiobereich pendelnd; dabei werden
die Grenzen eben dieser Simulation erkannt und „zugegeben“.

Wataru Katoh – Reflexion
Der Titel „Reflexion“ benennt zwei Prozesse, die im Stück zwischen der
Geige, dem Computer und dem Komponisten entstehen. Der erste Prozess zeigt,
dass die von der Geige gespielte Phrase durch den Computer und weiter durch
den vom Komponisten gegebenen kompositorischen Sinn als Klang, der eine
gewisse Bedeutung und Funktion hat, im Raum existiert. Der zweite Prozess
ist, dass die Phrase der Geige in Echtzeit aufgenommen wird und dass die
Sampling-Datei sofort als eine Klangreflexion wiedergegeben wird.

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From: „Straebel | TU Berlin“
Date: December 9, 2010 4:32:04 PM GMT+01:00
Subject: American Academy in Berlin Invitation: Ken Ueno, Assistant
Professor of Music, University of California at Berkeley, Tuesday,
December 14, 7:00 p.m.
Dear Friends of the Academy,

We would like to invite you to the upcoming American Academy
Composer’s Talk with Ken Ueno, Assistant Professor of Music,
University of California at Berkeley.

The title of the evening is: „The Music of Ken Ueno: Ideogrammic
Relationality and the Entropy of Cigarette Butts“.

The lecture will take place at the American Academy in Berlin on
Tuesday, December 14, 2010, at 7:00 p.m.
Please find the invitation and RSVP form for the lecture in the
attachment.

You may RSVP with the American Academy:
fax +49-30-80483 – 444
or cp@americanacademy.de

We look forward to welcoming you to this special evening.

Best regards,
Cornelia Peiper

Cornelia Peiper
Program Coordinator,
Arts and Humanities
The American Academy in Berlin
Am Sandwerder 17-19 | 14109 Berlin
T: +49-30-80483 403
F: +49-30-80483 444
cp@americanacademy.de
www.americanacademy.de/home/about-us/support/
—
American Academy in Berlin GmbH
Handelsregister Charlottenburg HRB 64272
Geschäftsführer: Norman Pearlstine, Gary Smith

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Von: Michael Beil
Datum: 8. Dezember 2010 17:47:52 MEZ
Betreff: Studio für Elektronische Musik: Konzert und Einweihung

Liebe Freunde und Musikfreunde,

Zum Konzert des Studio für Elektronische Musik am Mittwoch, den 15.
Dezember 2010 in der Kölner Musikhochschule um 19 Uhr 30 im
Konzertsaal möchte ich Euch/Sie herzlich einladen.
Ich freue mich besonders auf eine Aufführung von Gérard Grisey’s
Prologue für Viola und Live-Elektronik durch Barbara Maurer.
Anschließend wird der Abschluss der Umgestaltung des Studios gefeiert.
Wer also Lust hat, mal rein zu schauen, dem stehen die Türen offen.

Mit besten Grüßen

Michael Beil

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Glückliche Strandung – zu Gast am ohrenstrand:

Zwei Gedanken spielen Fangen –
Ein Abend mit Kompositionen von Ellen Fellmann

Dienstag, 14.12.2010, 20 Uhr, pfefferberg haus 13, Schönhauser Allee 176, 10119 Berlin

Mit Ellen Fellmann (Regie, Komposition), KNM Berlin, Andre Bartetzki (Klangregie, Bildtechnik)

Die Komponistin und Videokünstlerin Ellen Fellmann stellt im Rahmen dieses Konzertes unterschiedliche Formen eines audiovisuellen Komponierens vor, die alle ein nicht-hierarchisches Zusammenspiel der Ausdrucksformen Musik und Bild zum Ziel haben.
Im Zentrum steht die Komposition “Schwarz“ für Vulkansand, Violine, Viola und Violoncello.
“Schwarz“ bestimmt die Form des klassischen Streichquartetts in gestisch choreographischer Weise neu. Den drei klassischen Streichinstrumenten wird als vierte Stimme ein Bild-Toninstrument zugeordnet.

Programm
Aderngeäst. Klangchoreographie, 7-Kanal Komposition
Gras. Audiovisuelle elektroakustische Komposition
Neues Werk für Violine, Viola, Cello, Kontrabass und Video
Rot. Audiovisuelle elektroakustische Komposition
Neues Werk für Kontrabass und Video
Schwarz. Komposition für Vulkansand, Violine, Viola und Cello

Eintritt: 8 Euro, erm. 5 Euro

In Zusammenarbeit mit ohrenstrand.net, KNM Berlin und dem Elektronischen Studio der TU Berlin, Fachgebiet Audiokommunikation.
ohrenstrand.net wird gefördert durch das Netzwerk Neue Musik, ein Förderprojekt der Kulturstiftung des Bundes, und die Kulturverwaltung des Landes Berlin.

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